Duane Hanson, à la Villette, pavillon Delouvrier : "Le rêve américain..."

Entrée libre. Jusqu'au 15 août.

Des statues sans socle, sans protection ni barrière (sauf Lunch Break : trois ouvriers qui cassent la croûte sur leur chantier). Il s’agit de moulages en résine avec des vrais cheveux, de vrais vêtements dans des positions très communes… On dirait tellement des mannequins qu’on en arriverait à se demander si c’est de l’art..?

Vous êtes déjà allés au musée Grévin ? Ce musée est célèbre pour ses reproductions en cire de personnalités historiques et actuelles. La réalisation de ces personnages est fondée sur la sculpture. Les visages sont modelés dans la terre glaise au cours de séances de pose avec la personnalité. Pour les personnalités actuelles, ce sont souvent leurs couturiers attitrés qui les habillent où elles-mêmes offrent à Grévin une de leurs tenues. De même pour les accessoires.

Eh bien tout ce travail constitue une attraction mais ne prétend pas relever de l’art. En revanche le travail de Duane Hanson qui élimine le modelage puisque les visages de ses œuvres sont moulés, lui est exposé dans les musées et les galeries comme œuvre d’art.

« Le musée Grévin ne s’intéresse qu’aux célébrités » me direz-vous. Oui, sauf que, mêlés au public, il y a quelques anonymes, un faux pompier de service, le gros monsieur assis sur un banc, dans le but humoristique de surprendre les visiteurs.

Qu’est-ce qui fait l’art des empreintes de Duane Hanson et non des statues de cire du musée Grévin. L’intention ? Duane Hanson cherche à émouvoir la pensée. L’attitude des personnages, leur regard semblent exprimer quelque chose de subtile entre l’attente, l’ennui, la frustration, le vide…  Le plus caractéristique : L’homme au walkman. Isolé comme tous les autres, il est, enfermé en lui-même ; ils n’entre en relation avec personne, même avec nous qui ne pouvons pas facilement croiser son regard.

Parce que tous les regards ne sont tournés vers rien ; ou vaguement intériorisés, sur la vanité du « rêve américain » comme le suggère le titre de l’expo. On pourrait mettre en bande son la chanson des Misérables qui a fait le succès de Susan Boyle : I dreamed a dream…J’avais rêvé d’une autre vie mais la vie a tué mes rêves…

On reproche souvent à l’art contemporain d’être inaccessible, mais ici c’est le contraire. Quelle proximité ! Quelle facilité d’accès ! Trop ! Proximité physique, proximité culturelle (immédiatement recevable), proximité « humaine » (tellement l’illusion est grande) suscitent d’autres réflexions. S’agit-il seulement d’un effet miroir ? D’un symptôme des errances de la société américaine qui sont aussi les nôtres ? Ces dernières œuvres de Duane Hanson ne se contentent plus d’illustrer un message social ou politique univoque comme lorsqu’il dénonçait la guerre du Viêt-Nam à ses débuts. On ne pourrait guère parler d’art…

Alors, où réside la poésie ?

« Queenie » 1988 : son nom est brodé sur son vêtement de travail. A travers ses lunettes, ses yeux regardent dans le vide. Elle seule porte un nom. On saisit soudain que le soin apporté aux œuvres est un soin apporté aux personnes, comme une preuve de tendresse. Il les aime ses personnages anonymes, ces petites gens tirés de la banalité du quotidien

Et puis il y a « Le vendeur de voiture »1992 : classe moyenne, détenteur d’un maigre prestige, banalité des vêtements : attente, crispation : prédateur minable qui donne le change pour attirer le client. Ce n’est plus une empreinte, c’est une composition. Les dernières œuvres ne sont plus des personnes mais des personnages, des types constitués de différents moulages, comme Rodin recomposait des bras et des jambes conservés en réserve. Dès lors, la proximité s’accompagne en réalité d’un léger effroi, celui que procure le double. Une gêne inavouable devant la monstrueuse victime, consentante, d’un système indiscutable ; et qui me ressemblait comme un frère…

Effroi et amour, mon regard vers le Fils de l’Homme crucifié en connaît les promesses.

"Ce départ nous laissera poignée de poussière"
(Mahmoud Darwich, in La vérité a deux visages et la neige est noire)

Aujourd'hui je suis allé visiter l'exposition d'art contemporain "Palestine : la création dans tous ses états". Elle est très courte - 2h pour tout regarder avec attention - et une fois n'est pas coutume, j'en suis sortie en ayant tout compris. Allez-y, n'hésitez pas à entrer dans toutes les pièces (même celle qui a un avertissement pour les cardiaques), et prévoyez de pouvoir enlever vos chaussures car on y fait même l'expérience de la prière.

Le ton général des artistes exposés est étonnamment calme et sans agressivité. Dans la première oeuvre "Chic Checkpoint" on reconnaît Saleh Bakri, l'acteur principal du "Temps qui reste" de Suleiman, avec son sourire moqueur. C'est un sourire moqueur qui traverse l'exposition. Comme d'autres peuples l'ont fait dans des situations d'oppression, il y a de l'humour dans les oeuvres. Devant le travail de ces 19 artistes, je suis fortifiée dans l'idée qu'un peuple doit absolument être doté d'artistes pour trouver sa voix résistante et pour ne pas oublier qu'il existe car ce sont les artistes qui laissent un témoignage et des traces de vie.

Dans Bayyaratina (Suha Shoman), on constate que le terme "déracinés" n'est pas métaphorique. La même artiste dans une vidéo composée d'image d'archives (Stop for God sake, Suha Shoman), pose une question : "Qui l'a commencée?" à laquelle répond une autre question, la plus importante : "Qui la finira ?" 

Au moment de sortir, deux oeuvres se font face, des peintures. A gauche, Standby 60 de Hani Zurob, six tableaux, un par dizaine d'années d'occupation du territoire, représentant un homme assis. A droite, deux tableaux de Kamal Boullata, Ascension III. C'est la position dans laquelle se trouve la Palestine aujourd'hui : en souffrance depuis 60 ans, mais espérant encore qu'elle se relèvera un jour.

Charlotte

Une très belle expo, à voir absolument si vous le pouvez. Les œuvres sont très dépouillées. Le vocabulaire plastique est très simple : palette réduite, formes étirées plus ou moins
organiques. Des dessins qui semblent monochromes, mais qui, vus de près se révèlent tout en nuance. La technique est le pliage, intention qui fait apparaître le hasard. Le plus
dépouillé et lisse des noirs se révèle matière, texture, et non simple trait. Des nuances des couleurs apparaissent : le regard fait apparaître la matière. Ces dessins jouent à la fois
du trait, du pochoir et de l’empreinte, font dialoguer, vide et plein, couleur et matière. Orozco est sculpteur ; dans ses dessins  il sculpte le vide pour lui  faire prendre corps.
                Une pièce dépouillée, éclairée, naturellement , surprenant par rapport au reste. Il y a « peu » à voir : dans un angle, à la hauteur du regard, des taches que l’on reconnaît
comme l’empreinte d’un visage. Au sol, une sculpture compacte noire porte une série d’empreintes de mains. Sur un socle blanc, une autre, aux mêmes matériaux et couleurs,
porte aussi une série d’empreintes  de mains. On y reconnaît la forme d’un bassin humain.
L’œuvre, me semble-t-il, n’est pas seulement dans ces pièces, mais dans la circulation, le souffle entre elles. Cette exposition, ces œuvres-ci, questionnent la présence, l’absence,
la figuration, l’apparition. Elle m’évoque les réflexions sur la capacité de l’art à rendre le mystère de la figure humaine, et aussi celles sur l’Incarnation de Bernardin de Sienne :
l’Infini dans le fini, incontrôlé dans le contrôlé... N’est-ce pas comme dans le pliage.  L’un est lié à l’autre : l’intention  de l’artiste n’est-elle pas parole, pensée, la peinture, une
chair. Ici se dit quelque chose du mystère de l’existence, de la figuration : l’idée, « le verbe »  qui se fait chair.

                Anne

Gabriel Orozco Dépliages, galerie chantal Crousel jusqu’au 20/10, mar-sam 11h-13h, 14h-19h, 1o rue Charlot (3ème)